Прибой

80000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 90 см, холст, масло, 2012 г.

Пионы №1

60000 руб.

Галина Каковкина,
70 х 80 см, холст, масло, 2004 г.

Острова

80000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 90 см, холст, масло, 2013 г.

Море

20000 руб.

Галина Каковкина,
33,5 х 39 см, холст, масло, 2016 г.

Море №2

80000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 90 см, холст, масло, 2012 г.

Маяк

60000 руб.

Галина Каковкина,
70 х 60 см, холст, масло, 2013 г.

Волны №2

80000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 90 см, холст, масло, 2014 г.

Волны №1

80000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 90 см, холст, масло, 2014 г.

Букет

60000 руб.

Галина Каковкина,
70 х 60 см, холст, масло, 2014 г.

Берег №6

70000 руб.

Галина Каковкина,
60 х 70 см, холст, масло, 2002 г.

Цветы

20000 руб.

Андрей Софьин,
34 х 29 см, холст, масло, 2016 г.

Радуга

30000 руб.

Андрей Софьин,
47,5 х 41,5 см, холст, масло, 2015 г.

Клоуны

35000 руб.

Андрей Софьин,
50 х 40 см, холст, масло, 2015 г.

Полдень

30000 руб.

Андрей Софьин,
65 х 40 см, холст, масло, 2015 г.

Ветер

30000 руб.

Андрей Софьин,
50 х 40 см, холст, масло, 2011 г.

Судьба

30000 руб.

Андрей Софьин,
60 х 50 см, холст, масло, 2011 г.

Лодки

14000 руб.

Анатолий Метлан,
50 х 60 см, шелкография

Поля

14000 руб.

Марк Браверман,
30 х 30 см

Terra promessa

40000 руб.

Александр Данилов
60 х 100 см, холст, масло

Бетти Рубинштейн

Бетти Рубинштейн родилась в Риге, Латвия.
Закончила художественную школу им. Яна Розенталя и Рижскую Академию Исскуств.
Проживает в Израиле с 1973 года.
Занималась в мастер-классе английского художника Глен Сого.
Имеет педагогический диплом преподавания искусства колледжа «Ораним» и Первую Степень Хайфского Унивеситета.
Получила звание Бакалавра Искусств.
Работы художника были представлены в Центре Искусств в Тель-Авиве-Яфо, в Морском Музеи Хайфы, в галереях «Кастро» и «Пикасcо» (Хайфа), в Центре «Жерар Бехар» (Иерусалим), в Центре Конгрессов в Хайфе, в музее Барам (Галилея) и в Деревне художников Эйн-Ход на Севере Израиля.
Её работы находятся в частных коллекциях США, России, Ирландии и Израиля.
На живопись Бетти оказало влияние великих мастеров как: Ван Гог, Моне, Сезанн и, несомненно, любимым ею, Василий Кандинский.
В работах Бетти Рубинштейн реализм плавно перетекает в абстракции.
Картины Бетти пронизаны колоссальным зарядом доброты и волшебства. Художественный мир произведений Бетти очень разнообразен – тут и леса, и горы, и реки, и поразительные фантастические миры.
Бетти удалось совершенно непостижимым образом обьединить в своих картинах глубокую философию и детский взгляд на мир.
Мы можем вспоминать детство — «когда деревья были большими », «фонтаны били голубые », а Бетти так видит мир и сейчас.
«В моих картинах я пробую остановить людей хотя бы на мгновение и впитать красоту окружающего нас мира.»

Елена Котляркер

Картины Елены Котляркер — это талисманы. В каждую она вкладывает пожелания здоровья, любви или благополучия. Вестниками благ у художницы становятся жар-птицы и павлины, золотые рыбки и ключики от всех дверей, плодоносящие яблони и живительные гранаты, красные ниточки от сглаза и ароматные орхидеи.

Необычное видение мира и техника его воплощения заставляют картины Котляркер притягивать взгляд зрителя. Ее сюрреалистические «сказочные работы» погружают смотрящего в мир фантазий, снов, некую другую реальность. Любители ее живописи отмечают удивительный позитивный эффект и подъем настроения от созерцания картин.

Марк Браверман

Марк Браверман родился 10 ноября 1958года, в г.Рига, Латвийской ССР.
С 1970 года проходили занятия классическим рисунком в студии рисовальщика Коркунова, живописью в изостудии, под руководством живописца Быкова.
В период службы с 1977 по 1979 г.г. в рядах Советской Армии Марк состоял армейским художником.
В 1980 году его первая персональная передвижная выставка акварелей.
Марк Всеволодович Браверманн – яркий представитель направления полистилизма в живописи (начало XXI века).

Человеку, впервые увидевшему работы этого художника, бросается в глаза разнообразие стилистических особенностей и приемов, используемых автором. Возникает вопрос: как можно достаточно точно определить творческое «Я» Марка Бравермана?
Художник начинает дрейфовать в сторону большей экспрессии мазка, более активного использования цвета. Конфигурации и объемы выявляются энергичными, разнонаправленными мелкими мазочками краски. Несмотря на предметную неопределенность, все дышит, движется, сохраняя при этом композиционную устойчивость.

Живопись Марка пронизана солнечным светом и оптимизмом, но отличительной особенностью является положительная энергетика, которую излучают все его работы. Техника исполнения самая разная, как правило, самобытная и безусловно узнаваемая. В свою живопись, Марк всегда щедро вплетает свою искреннюю любовь к природе и к самой жизни.

Александр Гринспун

Александр Гринспун родился 11 апреля 1949 года в Молдавии.
С1974 по 1978 учился в Санкт-Петербургском государственном Университете искусств. После окончания университета работал художником по декорациям в городе Сыктывкаре, где в 1980 году состоялась его первая персональная выставка.

С 1984 по 1991 годы Гринспун участвовал в многочисленных выставках на территории Израиля. Он пользовался огромной популярностью в Кишиневе, Одессе, Тирасполе.

В 1994, 1995 выставки картин художника проходили в Доме Шагала в Хайфе (Израиль).
Художник постоянно приглашается на международные выставки в Канаду, США, Сингапур.

У Александра свой неповторимый стиль. В его работах смешивается экспрессионизам, наив и элементы кубизма, что делает почерк художника узнаваемым и интересным. Его картины похожи на театральные декорации, где каждый герой исполняет свою роль, погружая зрителя в атмосферу сказочной повести, языком которой говорит с нами сам художник.

Михаил Шабрин

Михаил Шабрин (часто используется псевдоним Милкин и межд. Milkin) родился в Харькове в 1964 году.
Получил профессиональное образование, с 1994-го года член национального союза художников Украины. Сегодня художник живет и работает в г. Хайфа.

Стиль Шабрина трудно описать одной характеристикой: пастозные мазки и тонкая работа с оттенками отсылают зрителя к импрессионизму, смелость в подборе цвета и композиции тяготеют к экспрессионизму. За всем этим просматривается серьезная классическая школа.

Художник пишет крупными, пастозными мазками. На его холстах синие, фиолетовые мазки встречаются с контрастными- красными, желтыми красками, создавая яркие колористические комбинации.

Его пейзажи и натюрморты, взрывающие холст потоком красок, благодаря яркой палитре и интересной фактуре, активно выставлялись на Украине, Франции, Израиле,США (АртЭкспо) и Германии и снискали большой успех у ценителей живописи.

Евгений Шибанов

Евгений Николаевич Шибанов родился в 1941 году в селе Вад Горьковской (Нижегородской) области. С 1959 года живет в Ульяновске. Начал самостоятельную творческую деятельность как живописец и график после окончания Горьковского художественного училища в 1963 году. Почти сразу Шибанов нашел свою тему, которой ни разу не изменил: Русь, Россия, ее история, характер, судьба, народ — вот то, что художника волнует и заставляет вновь и вновь браться за кисть и карандаш.

С 1975 года Евгений Шибанов став членом Союза художников, работал по «социальному заказу, «участвовал в Союзных выставках и печатался во многих альбомах. Тем не менее природное неприятие формальности и поверхностности в работе придает его портретам передовиков производства и тематическим картинам для советских учреждений 1970−80 годов особый стиль и шарм, он и здесь не оставляет поиска собственных оригинальных решений.

В 1989 году Шибанов уехал в село Молвино Теренгульского района Ульяновской области. Там, на природе изменяется творчество художника. Он учится видеть и чувствовать изменчивость света и цвета, ощущать ритм постоянно меняющегося «дыхания» земли, потаенное «движение» холмов и радужную прозрачность неба, любовно объемлющего поля, леса, деревеньки. Так появлялись и становились все более мастерскими, легкими, будто рожденными на одном дыхании, пейзажи. Свои новые молвинские произведения Шибанов впервые показал на большой персональной выставке в 1999 году.

Она имела огромный успех. Многие из экспонировавшихся тогда картин пополнили коллекции современной живописи во Франции, Германии, Канады, Америки и других странах мира. Еще одним результатом этой выставки стало приглашение Шибанова во Францию для совместных пленэрных занятий в местечке Ля Биоль французскими художниками русского происхождения, желающими взять уроки живописного мастерства у маэстро, творчество которого стало для них настоящим открытием.

Анна Фадеева

Окончила Нижегородское художественное училище и факультет дизайна ННГАСУ. Авторской куклой занимается три года.

Дипломант Международных выставок кукол и мишек Тедди «Время кукол» в Санкт-Петербурге, Московской международной выставки-ярмарки кукол и медведей Тедди «Moskow Fair», Нижегородской выставки «Арт-Салон», Нижегородской выставки авторских кукол и медведей Тедди «Кукольный вернисаж», победителем конкурса журнала «Кукольный мастер» в номинации «Маленькая элита (кукольная миниатюра)», участником выставки авторских кукол Нижегородского государственного художественного музея «Ларец сказок». Ее куклы имеются во многих выставочных залах и частных коллекциях.

С работами художника можно познакомиться в интернете по адресу www.rifania-dolls.livejournal.com

Рада Тихановская

Рада Тихановская — художник из Нижнего Новгорода. Автор нескольких успешных проектов. Участник международных и российских выставок и фестивалей.

Свой стиль художник определяет как символический импрессионизм. Ее привлекают декоративные решения, яркие краски, свежие цвета. В своих работах она старается передать красоту как окружа ющей действительности, так и ассоциатив ных образов.

Экспрессивная, активно взаимодейст-вующая со зрителем живопись Рады неразрывно связанна с харизмой самого автора. Ритмичные, живые, запоминаю-щиеся работы не оставят равно-душными никого из гостей, и каждый найдет что-то свое в этой одновременно и музейной, и интерьерной, и философской живописи.

В проекте «Предвкушение. Блики солнца» воплощаются мечты о летнем отдыхе. Живые, дышащие свежестью и ароматами цветущих лугов и деревьев легкие и воздушные городские пейзажи. Морские, пляжные этюды, нагретые солнцем и сдобренные солью. Красота природы разных стран, ощущения расслабленности и отдыха — именно эти воспоминания вкладывает автор в свои произведения. Есть живопись, над которой хочется размышлять и философствовать, а есть иная, когда в картину хочется войти и прожить запечатленное мгновение.

В своем проекте FOODISM Пада воплощает культуру еды и ее важную эстетическую составляющую. Проект пришел в голову автора совершенно не случайно, поскольку мы не можем относиться равнодушно к жизни наших близких. Главный секрет — муж молодого художника. Он стремительно развивающийся шеф-повар и ас своего дела. Так и рождаются «случайные» и такие искренние проекты.

Одна из последних глобальных выставок — «В начале был слон». Рада Тихановская включила в экспозицию работы разных лет и творческих периодов. Зрители этой масштабной выставки смогли проследить эволюцию «символического импрессионизма» художника. Синтез двух серий работ «Винтажный театр» и «Велопрогулка» позволили прочувствовать радушную карусель, на которой качается в грезах этот замечательный и светлый художник.

Зрители рады — это дети и взрослые, ценители исскуства и чуткие прохожие. Большинство из них, конечно, женщины… Все мы знаем, что только они умеют чувствовать так тонко.

Андрей Софьин

Андрей Софьин родился 11 марта 1962 года в городе Пермь. Окончил художественно-графический факультет Пермского педагогического училища.

С 1997 года Член Союза художников России, Санкт-Петербургское отделение.

Андрей один из организаторов и член Правления Петербургского Пастельного общества.

С 2010 года художник живет и работает в Израиле, а с 2012 г. является членом Объединения профессиональных художников Израиля.

Андрей Софьин участник многочисленных персональных и коллективных выставок в России, Израиле и Европе. Автор более 2500 живописных, графических и монументальных работ. Его картины известны в России, США, Англии, Франции, Канады, Австралии и Германии.

У Андрея много полотен с изображением детей. Они все немного похожи на ангелов: светлоглазые, круглолицые, с ножками и ручками, нарочито исполненными непропорционально. Кажется, что их хрупкие руки вот-вот превратятся в крылья. И в то же время в выражении их лиц есть нечто мудрое и хитрое. Этакий союз невинности и мудрости. Палитра художника богата и разнообразна: от «врубелевского» ультрамаринового до изумрудно-зеленого Мане, она схожа с картинами Одилона Редона по своей символике и этим напоминает эстетику модерна и поиски французских и русских символистов начала XX века.

Сергей Сорокин

Сергей Сорокин родился в 1950 году в г. Архангельске. Юность провел в Красноярском крае. После службы в армии приехал в г. Горький. С 1974 года начал участвовать в молодежных выставках. С тех пор принял участие более чем в тридцати выставках, в том числе и персональных в Америке, Германии и России. Работы находятся в Нижегородском художественном музее, Чувашском художественном музее, Болдинском музее-заповеднике, музее Современного искусства (Джерси Сити) США, музее Табакмана (Нью-Йорк), музей искусства в Гамбурге, в частных коллекциях Нижнего Новгорода, Москвы, Санкт-Петербурга, в городах Голландии, Германии, Франции, Израиля, Австралии, США.

Сергей Сорокин — одна из самых значительных фигур среди художников, которые заявили о себе в эпоху, не побоимся этого громкого слова, перестройки и гласности. Мне довелось впервые увидеть его картины в 1993 году, когда я приехал с выставкой неофициальных художников в Нижний Новгород.

Познакомившись с творчеством Сорокина, я подумал: «Да это же нижегородский Оскар Рабин». И действительно: у этих двух художников разных поколений есть факторы, которые как бы сближают их творчество. У Сорокина в картинах царит почти такая же, как у Рябина, экспрессия и такой же сдержанный колорит его полотен. А, например, одна из нью-йоркских газет, откликаясь на персональную экспозицию Сергея Сорокина, назвала художника «русским Рембрандтом». С тех пор Сорокин неоднократно участвовал в выставках, которые организовывал наш музей в Нью-Йорке, Вермонте, Филадельфии, Москве, Харькове, Одессе, Запорожье, Владивостоке, Новосибирске и, конечно, в стенах музея.

Сергей Сорокин пишет Нижний Новгород, однако, не центр его, не кремль нижегородский, не площадь перед ним, а далекие от проспектов улочки, деревянные домики, немощеные мостовые. И ещё он пишет как бы жанровые сцены с действами, которые происходят во дворах и коммунальных квартирах. Не со злорадством создаёт он эти работы, а любовью и состраданием, иногда с иронией. И именно поэтому картины Сергея Сорокина никого не оставляют равнодушным.

Светлана Синюкова

Молодой и очень талантливый мастер-керамист. Училась у Сахаровой А., и восприняв ее легкий и нежный стиль «наив» смогла внести в него нотку молодого задора и изящного юмора. Ее фигурки и чайная серия — это всегда рассказ: легкий, с элементами сказки, но и повседневной жизни. Вот котик идет по лужам с зонтиком, вот маки растут, словно сквозь глину на огромной чашке с блюдцем, которые на самом деле ваза. Этакая повесть о стране чудес, только главная героиня не Алиса, а Светлана. А кролик есть, куда без кролика.

Ирина Симакина

Ирина Симакина — дизайнер, театральный художник и декоратор, супруга известного театрального Режисера.

Удивительно талантливый мастер кукол. Ее работы отличает простота, но не в значении. Нежность и волшебство — это первые слова, которые приходят на ум при взгляде на ее Фей, принцесс и задорных колдуний. Ткань и папье маше, лепные и вышитые детали переплетаются в новую форму жизни, которая непременно принесет удачу, радость и исполнение желаний.

Елена Сахарова

Ремесло роскоши, волшебная техника, позволяющая создавать произведения, жизнь которых длится вечность, — так называют технику горячей эмали. Соединяя в себе ювелирную драгоценность материала со свободой живописи, этот вид искусства не имеет широкого распространения и является элитарным. Художников-эмальеров немного и в России, и во всём мире. Елена Сахарова, эмальер и керамист, член Союза художников России. Экспонент многих выставок в России и за рубежом.

Эмаль — особый сплав стекла с окислами металлов. В процессе создания произведения на медную пластину специальными огнеупорными эмалевыми красками наносится роспись. В дальнейшем после нанесения каждого слоя краски (около 30 раз) пластину обжигают в печи при температуре 850°. Под воздействием высокой температуры после каждого обжига первоначальный рисунок буквально преображается на глазах, приобретая выразительную фактурность и колористическое разнообразие. Цветная эмалевая масса, растекаясь по поверхности, создает причудливую вибрацию света и цвета. Стекло, наплавленное на металл становится материалом «вечным», сохраняя всю прелесть первозданного облика на века.

Визитная карточка работ Сахаровой — это пейзажи Владимира и городов Золотого кольца. Работы художника находятся в Музее эмали (Кечкемет, Венгрия), Международном творческом центре «Эмалис» г. Ярославль, Переславль-Залесском Государственном музее-заповеднике, Museo dei cuchi (Cesuna) Италия, Центре ИЗО г. Владимира, Государственном музее-галереи Е. Евтушенко в Переделкино, в Музее прикладного искусства СПГХПА им. А. Л. Штиглица, в галереях и частных коллекциях России, США, Германии, Голландии, Италии, Японии.

Анна Рябчевская

Анна Рябчевская— талантливый мастер, работающий в различных жанрах и техниках. В ее многогранных работах раскрывается сила, внутренняя энергия художницы, которые восхитительно сочетаются с умением передать тончайшие нюансы тона и формы. Все ее работы построены на звучных и ярких красочных сочетаниях, тонких ритмических соотношениях — все пронизано светом и легкостью, окутано солнечными бликами, искрится и притягивает внимание… В изображении цветов Анна лирична, прежде всего, чувствует «молчаливую яркую поэзию», передает ее изящно и нежность. Постоянно участвует в областных, союзных выставках. Персональные выставки проходили в Н. Новгороде, Сарове, Франции, Германии, Австрии, Венгии и т. д. Работы находятся в частных коллекциях России, Германии, Великобритании, США.

Наталья Разбаева

Родилась в 1980 году в городе Уральске.
В 1996 году окончила Саратовское училище искусств.
В 2005 г. Наталья Разбаева окончила Нижегородскую консерваторию-академию по 2-м факультетам:
— исполнительное искусство (класс Альта преподавателя Даниила Гришина)
— музыкальной критики и журналистики (профессора Л. Птушко)
После многолетнего изучения природы звука, законов восприятия и гармонии в искусстве, взаимовлияния музыкального и изобразительного миров Нижегородская художница Наталья Разбаева изучает технику старых мастеров в классе станковой живописи заслуженного художника России Сергея Воржева. Для занятий живописью был выбран инструмент, позволяющий импровизировать на холсте так же, как смычок позволяет импровизировать на струнах альта. Этим инструментом стал Мастихин.
Эстетический опыт, приобретенный в области музыки, позволил Наталье Разбаевой быстро освоить живописный материал и научиться им управлять. На протяжении последних 3-х лет ею создана великолепная серия холстов, подчиненных общему глобальному замыслу и раскрывающих ее как художника невероятно тонко чувствующего колорит, пластику и энергетику живописной Вселенной.
«Наталья Разбаева — Это художник с колоссальным творческим потенциалом, способный создавать вещи, которые внесут новую эстетику в живопись, не имеющую аналогов в ее истории» (Сергей Воржев, Заслуженный художник России).

Максим Приданов

Приданов Максим Юрьевич родился в 1965 году в г. Горьком. Окончил Горьковское художественное училище (1984) и Московский государственный гуманитарно-художественный университет им. М. А. Шолохова (2010). Член Союза художников России и Международной Федерации художников. Участник и организатор многочисленных выставочных проектов в различных городах России, Европы, Азии и Америки. Живет и работает в Нижнем Новгороде и Москве.

Любимый жанр Максима Приданова — пейзаж. В нем он создает яркий образ природы. Контрастные цветовые пятна, обобщенная форма, рельефность фактуры, мажорное настроение — отличительные черты живописной манеры художника. Дробный ритм лоскутной мозаики желтого, синего, зеленого рождает сочную, яркую живопись, показывая жизнь, страсть и красоту.

Наталия Панкова

Наталия Панкова — российская художница, арт-менеджер; Председатель правления Нижегородского фонда «Русское искусство», член Союза художников России, лауреат премии Нижнего Новгорода (2008), магистр искусствоведения. Работы находятся в частных и музейных собраниях в т. ч.: Маргарет Тетчер, Алана Жюпе, Ирины Хакамады, Юрия Башмета, Мстислава Ростроповича и т. д. Ее живопись это не только удивительная чистота образа и буйство красок, это джазовая импровизация на холсте.

Острота и свежесть взгляда на мир и составляют очарование произведений Наталии. Вечным, неиссякаемым источником красоты предстает в картинах Панковой природа: её образы величественны и празднично-нарядны.

Эмоциональная сила картин Панковой концентрируется также и в фактурных особенностях её холстов. Лучшие полотна не просто написаны, а сработаны как некая вещь. В движении фактуры, в ритме густых мазков есть своя красота сложных перемен поверхности. Плотная кладка, мерцание цвета и света напоминают драгоценную материальную структуру мозаики.
«Каждый ребенок — художник. Трудность в том, чтобы остаться художником, выйдя из детского возраста» (Пабло Пикассо).

Сергей Ледков

Родился в 1961 году в городе Дзержинск Горьковской области. 1976−80 гг. учился в Горькосвком художественном училище. Работы художника находятся в частных и корпоративных коллекциях в том числе в Нижегородском Государственном Художественном Музее, музее университета штата Нью-Джерси США.

О себе: «Живописец. Иногда график, преподаватель, дизайнер. Придерживаюсь традиций „Трансавангарда“. Постоянно ищу что-то новое, не забывая о старом. Любимые жанры: портрет, пейзаж, ню. Бывает, использую тексты любимых поэтов и вписываю их в пространство картин. Восхищаюсь и горжусь достижениями Русского авангарда начала двадцатого века».

Олег Куликов

Олег Куликов — художник разносторонний в смысле и тем, и техник. От таких традиционных жанров как пейзаж он переходит к ускользающим смыслам метафизической живописи; а от холста и масла — к энкаустике и дереву, от легкого мазка кистью — к старательному процарапыванию. И то и другое сосуществует в нем абсолютно гармонично, и то и другое отличает яркий, насыщенный цвет.

После окончания университета им. А. И. Герцена, г. Санкт-Петербург, Олег объездил с выставками весь мир — обогащая свое творчество всем, что он видел. Путешествия- вдохновение и ресурс для творчества художника.

«Сегодня, когда, казалось, все художественные средства выражения уже испробованы, а ресурс воображения почти исчерпан, задача художника — найти то неповторимое качество в своей работе которое отражает его персону, и которое так же неповторимо как отпечатки его пальцев. В своём творчестве я пытаюсь найти то пространство, которое пролегает между абстрактным и репрезентативным, между наполненным смыслом фигурой-символом и беспредметным торжеством текстуры красочной поверхности».
Олег Куликов

Участник многочисленных выставок и арт-проектов в России и за рубежом художник Олег Куликов отталкивается от архитипичных образов в разработке сюжетов своих работ. Византия в них мирно сосуществует с палеолитом, древнерусское письмо с шумерской клинописью… В Канаде Олег открыл для себя и в последствии освоил живопись в технике энкаустика, связующим веществом в которой служит воск, он придает краске глубину и люминисцентность. Свет особым образом преломляется в прозрачных слоях воска, из-за чего картина кажется будто подсвеченной изнутри.

«Мне нравится архаическая символика, — признаётся художник, — знаки и письмена, поэтому, наверное, я изобретаю свой псевдоархаический язык, он как ничто другое прекрасно ложится на текстуру воска. На нем ФИЗИЧЕСКИ приятно оставлять царапины, зарубки, отметины, наносить письмена и знаки, сочетать случайное с продуманным, если учесть, что я накладываю воск слоями, то получается что-то вроде игры в прикладную археологию…».

Наталья Кострова

Керамист.
Родилась в г. Горьком в 1963 году.
Окончила ГХУ в 1982 г. и МВХПУ (б.Строгановское) в 1989 г.
Член Союза художников России с 1994 года.
С 1987 года — постоянный участник областных выставок. Экспонент зональной выставки «Большая Волга» 1998, 2003, всероссийских (Москва, 1988, 1997) художественных выставок.
Преподает в Нижегородском Государственном Педагогическом Университете, Государственном Художественном Институте при ННГАСУ с 1992 г. по настоящее время.

Анна Копа

Украшения Анны Копы — это прежде всего неравнодушное отношение к человеку и стилю. Это творческий подход к обыденному и постоянное стремление к прекрасному. Аксессуары занимают важную роль в любом образе, они дают изюминку, которая рождает индивидуальность.

Изделия Анны Копы являют собой калейдоскоп фантазии и мастерства, который не оставит Вас равнодушным. Роскошь камней, изящное плетение, объемность, легкость и природные материи — вот главные составляющие украшений.

Эксклюзивные изделия ручной работы способны радовать не только своей красотой, но и уникальностью. Незаметно для себя Вы обнаружите, что украшение стало частью Вашей личности.
Дизайнерские украшения Анны Копы — это ключ к элегантности и оригинальности, ключ к улыбке Ваших глаз.

Анна Карпова

Родилась в 1981 г. в Нижнем Новгроде. Окончила Нижегородское театральное училище им. Е. Евстигнеева по специальности «бутафор», училась у В. М. Потапина и О. С. Мазманян.

С одинаковой легкостью руки Анны выходит эффектная, но нежная живопись, дизайнерские объекты и куклы. Объединяет все работы чувство цвета и формы, внимание к нюансам и оттенкам. Летний букет или портрет женщины с огнем, изнемогающие от жары улочки Яффе или макромир с бабочками и пауками — свой, характерный подчерк Анны Карповой узнаваем везде. Динамика присутствует в любой детали картины, будто каждый предмет, подобно человеку, проживает свою собственную жизнь.

Выставочной деятельностью занимается с 1999 г. Является участником совместных и персональных выставок России и Франции. Работы находятся в частных коллекциях России, Франции, Швейцарии.

Галина Каковкина

Нижегородский художник, живописец, участник многочисленных художественных выставок и проектов, одна из учредителей творческого объединения художников «Чёрный пруд». Началом её творческой биографии стало участие в областной художественной выставке в 1976 г. В течение последующих нескольких лет она активно участвует в квартирных выставках художников нонконформистов. В 1987 г. на выставке в Москве во Всесоюзном выставочном комплексе (ВДНХ) одна из работ Галины была отмечена медалью. Вскоре её картины приобрел в коллекцию Государственный Владимиро-Суздальский историко-художественный и архитектурный музей-заповедник. Работы Галины Каковкиной находятся в коллекциях Нижегородского Государственного художественного музея, Государственных музеев республик Чувашия и Марий-Эл, Музея русского пейзажа (город Плёс), Фонда «РОСИЗО» (Министерство Культуры Р. Ф., Москва), Владимирского историко-архитектурного музея-заповедника, Художественного музея г. Новочебоксарска и др.

Для искусства Галины Каковкиной характерно особое внимание к духовному аспекту творчества, склонность к языку символов, требующих интерпретаций и способных, таким образом, выявлять глубоко сокрытое. В каждом творческом жесте художника ощутимо влечение к теням сакрального мировоззрения. Поэтому образный и интеллектуальный сплав, вычитываемый из ее картин, остается в чем-то загадочным и неоднозначным.

Алиса Казакова

Алиса Казакова ( Смирнова) родилась в городе Горьком в 1977 году. Выпускница Нижегородского государственного педагогического университета . Работает и живет в Париже. Член союза художников Франции с 2015 года, член союза художников «Гласьер» (Париж), член общества культуры «Нозика» (Франция). Организатор проекта «Мы нашли таланты» совместно с Нижегородским государственным художественным музеем, в рамках которого преподавала рисование воспитанникам детских домов.
Источником вдохновения этой нижегородской художницы является многообразие природных красот. Руское поле, побережье Черногории, таринные замки Луары, радужные блики Парижа. Вдумчивый подход к традициям классической живописи и импрессионизма рождает особенный стиль, где сочетает и мастерский рисунок и чуткое цветовое видение.

Активный участник выставок в Нижнем Новгороде, Москве, Черногории, Франции, Лондоне, Германии. Работы Алисы Казаковой находятся в собрании Вятского государственного художественного музея имени Васнецовых, а также в частных и корпоративных собраниях в России, Франции, Германии, Австралии, США, Великобритании, Черногории и Сингапура.

Вахтанг Джаниашвили (JANO)

Живописное творчество Вахтанга Джаниашвили (JANO) вобрало в себя как собственно грузинскую, так и европейскую живописную традицию.
Организационным центром стиля живописных и графических произведений Вахтанга Джаниашвили становится эмоция. В своем творчестве художник использует находки импрессионистов, сохраняя оригинальную манеру письма. Именно эмоциональному восприятию мира произведения JANO обязаны своим колоритом и особенной палитрой.
Для произведений В. Джаниашвили характерно совместное существование противоположных качеств — определенности и бесконечности. Глубокие образы, созданные при помощи многослойных мазков, мозаичных деталей или гротесковых приемов, вызывают у зрителя постоянно возникающее ощущение и сопричастнос художнику и свободы пребывания в его мире.
Работы Вахтанга Джаниашвили (JANO) принимали участие в выставках в Дании и в Англии. Многие произведения художника находятся в частных коллекциях в России, США, Дании, Франции и других странах.

Александр Данилов

Русский живописец (родился в Донецке в 1963 г.), график, иллюстратор и театральный художник. В настоящее время живет и работает в Италии (Тоскана).

Редкий дар — изящества и легкости изображения и темы, позволил ему легко войти в художественную жизнь и получить признание с первых выставок. Сейчас их на счету Данилова более 50, персональных и вместе с другими авторами, по всему миру. Работы автора хранятся в музейных и частных коллекциях. Русская академичность сочетается в них с приобретенной европейской традицией.

Кроме живописи занимался созданием сценографии, костюмов, афиш и персонажей для театров и фестивалей, иллюстрировал журналы и книги. С особым вниманием относится к проекту «Таро А. Данилова», проделав титаническую работу по истории искусств, создал свое видение знаменитых карт Таро. Колода Данилова вошла в 10 лучших в 2013 году.

Его работы всегда метафоричны, мифологичны, но в то же время архиреальны. Мы узнаем себя и свою жизнь в его стилизациях, пронизанных мягкой иронией и сдобренных колористической гармонией. Точность и гибкость рисунка, тонкость цветовых отношений позволяют говорить о свободном движении художника внутри живописной традиции, о решении вечных вопросов цвета и линии, света и тени.

Ирина Гришина

Ирина Ивановна Гришина, член Союза художников России, известный нижегородский художник-график и живописец. Родилась в 1961 году в городе Горьком, окончила ГХУ и Московскую полиграфическую академию. Ирина Гришина работает в области портрета, городского пейзажа, натюрморта и книжной иллюстрации.

Творчество художника наполнено яркими цветами и экспрессивной, уверенной композицией. Автор постоянно экспериментирует с техниками и различными материалами в графических искусствах. Основная тематика произведений, это красота, изящество и лиризм предметов повседневной жизни. Колорит и смелые цветовые решения картин автора варьируются от тонких и сближенных до контрастных и локальных.

Работы И. И. Гришиной находятся в частных коллекциях России и зарубежья.

Валентина Гарина

Художник, живописец, художник костюма, художник авторской куклы.
Родилась в г. Горьком в 1982 году.
Окончила Нижегородское Художественное Училище в 2003 году. (Специальность художник-педагог)
Окончила Всероссийский Государственный Университет Кинематографии им. С. А. Герасимова (ВГИК) в 2009 году. Специальность: художник кино и ТВ по костюму.
Участница молодёжных, региональных и всероссийских выставок союза художников России.
Участница выставок творческого объединения «Отечество” в Н. Новгороде, Москве, Сарове, Сухуме (Абхазия) .
Работы находятся в частных коллекциях в России.
В 2011 году организует и проводит «уроки кукольного мастерства» при художественной галерее «Ковчег».
В 2012 году участвует в акции «Ты не один» благотворительноо фонда НОНЦ. (проведение творческих занятий, кукольных мастер-классов с детьми и родителями в Областной детской клинической больнице.)

Борис Леонидович Бочкарев

Бочкарев Борис Леонидович (1932−2006)
Живописец, пейзажист, заслуженный работник культуры России.

Родился в г. Дзержинске Горьковской области. Жил и работал в Нижнем Новгороде. Закончил Горьковское художественное училище (1947−1952). Член Союза художников СССР с 1960 г.

С 1953 постоянный участник областных, зональных («Большая Волга», 1964, 1970, 1974, 1980, 1991, 1998, 2003) и республиканских (Москва, 1957, 1960).
Руководил изостудией Сормовского Дворца культуры (1953−1989).

Работал в области пейзажного жанра, преимущественно обращался к ландшафту средней полосы России, волжским мотивам. Много путешествует, пишет виды Сибири, Крыма, средняя полоса России, Нижегородского края, Поволжья. 
Его манера — удачное сочетание реалистической школы и импрессионистического видения мира. Чистые, смелые краски и тонко подмеченные сюжеты действительно трогают зрителя.

Работы находятся в Нижегородском музее изобразительных искусств, в областных музеях, в частных собраниях в России и за рубежом.

Маттео Боато

Я начал рисовать еще в детстве и в этом смысле я остаюсь ребенком до сих пор. Рисование для меня подобно ведению дневника, постоянному пересказыванию моей жизни. Я рисую вещи, которые близки мне, которые захватывают мое воображение. Живопись позволяет мне следовать за мечтами, давать жизнь персонажам и местам, которые я хотел бы посетить и с которыми хотел бы взаимодействовать.
Дома и площади как основа для социальной коммуникации вызывают ассоциацию одновременно с чем-то личным и в то же время открытым к диалогу. Это и формирует концептуальную составляющую большинства работ.
Серия работ, изображающая исторические городские центры, была создана, чтобы через внимательное изучение домов, фасадов, дверей и окон приоткрыть душу каждого города. Здания, наполненные людскими настроениями, уже в самих своих строительных материалах сохраняют историю и жизни людей, которые ранее населяли эти дома. Они возвращают нас к корням, к тому исключительно хрупкому миру, который постоянно находится под угрозой исчезновения.
Другая серия работ описывает пригороды, удаленные от урбанизации, и фокусируется на открытых пространствах, сельских пейзажах, одиноких деревенских домах.
В этой серии есть фактор присутствия-отсутствия людей на разных полотнах. Это частично обусловлено тем, что человеческие истории рассказываются исключительно через использование цвета; а частично — надеждой на то, что в будущем человек действительно заслужит свое место на земле, которое будет счастливее, трудолюбивее, честнее, чище, уважительнее и ярче.
Для зрителя полотно — это точка обзора, окно в мир, лежащий между людьми и предметами. А для меня, художника, это место в моем сознании, фактически, это и есть мое сознание.

I started painting as a child, and I am still a child in this respect. Painting for me is like keeping a diary, a constant retelling of my life. I paint the things that appeal to me, that capture my imagination. Painting allows me to pursue dreams, to give life to the people and places I would like to touch, interact with.
Houses and squares, the foundation for social communication, evoke an atmosphere that is intimate and yet at the same time open to dialogue. These form the conceptual essence of a large number works set in various towns and cities.
The sequences of paintings depict historic urban centres in order to discover the soul of each town or city through close study of the houses, façades, doors and windows. These buildings, impregnated with human moods, have preserved within the very fabric of their materials the stories and actions of the people who once lived there. They hark back to our roots, to an extremely fragile world that is in constant danger of disappearing.
Another series of canvasses is set away from the towns focusing instead on the open countryside, rural landscapes, isolated farmhouses.
There is the presence-absence of people in the various canvasses of this series. It is partly due to the fact that human stories are told exclusively through the use of colour, and partly due to the hope that in future man will truly deserve a place on this earth and will create a world which is happier, more hardworking, honest, clean, respectful and colourful.
For the observer, the canvas is a point of view, a window onto the world lying behind things and people. For me, the painter, it is a place in my mind; in fact it is my mind.

Валерий Багаев

Валерий Багаев творит неординарную, колоритную живопись в духе фантастического реализма. Основой для его произведений может служить как холст, так и разноформатные доски, предметы мебели, старинные сундуки, рамы для зеркал и другие необычные поверхности. Сюжеты картин всегда приходят из жизни, но щедрое воображение автора развивает и продолжает одну нить за другой, создавая целые сказочные города и камерные жанровые сценки. Эффектные персонажи, великолепные «говорящие” натюрморты, театры и целые жизни, заключенные в пальто, — здесь мастерство художника сплетается с даром рассказчика и берет свое начало совершенно новая, безумно интересная история.

Автор определяет свой стиль как «голландский сюрреализм», периодически уходящий в русско-сибирские дали. Влияние голландской школы живописи на Валерия очевидно, но образность и мифологичность сюжета характерны скорее для символизма. Именно это необычное сочетание композиции, техники и манеры письма выделяют художника среди Российских авторов.

Родился Валерий Багаев в Петропавловске — Камчатском, на данный момент живет и работает в Нижнем Новгороде. К живописи пришел не сразу, но можно уверенно сказать, что в ней он нашел себя и применение своему таланту.

Художник много путешествовал по России, врожденная наблюдательность принесла Валерию достаточно материала для творческой работы: неординарные сюжетные линии картин, их легенды и персонажи — зачастую являются аллегориями на реальную жизнь. Его работы являют собой вдумчивое осмысление жизни и окружающих людей, выраженное с легкостью, точностью и наработанным мастерством. Форма выражения встречается самая разная: натюрморт, портрет, городской пейзаж, иллюстрации, сложная по композиции, многофигурная жанровая вещь или быстрый этюд природы с натуры.

Однако, если говорить про «визитную карточку”, узнаваемость картин художника — это тонкий добрый юмор и изобретательность, позволяющие зрителю даже в самом миниатюрном произведении любого жанра найти целый рассказ, а то и роман.

Автор часто использует предметы необычной формы и происхождения для создания картин: спилы деревьев, буфеты, корыта — перечислять можно бесконечно. Это не просто поиск новизны или желание продлить существование антикварных, просто старых, памятных вещей, но и трепетное, комплексное отношение к оформлению каждой работы. Вплетая их историю в общую атмосферу работы, Валерий Багаев расширяет изображенный сюжет за пределы полотна не только пространственно: с помощью нестандартной рамы, приема записи боковин, добавления к основному полю подвесов, использования лицевой и оборотной сторон поверхности, но и по смыслу, добавляя к изображению стихи и притчи собственного сочинения.

Так раскрывается главная философия художника: картина — сама по себе главное действующее лицо в общении и с художником и со зрителем. «Мои работы, словно

дети для меня, и ради каждой я выкладываюсь по полной», — говорит Валерий.

Многогранный, глубокий и волшебный живописный мир Валерия Багаева — это увлечение, которое не надоедает, это вечные ценности и сильные эмоции, завернутые в мягкую ткань ироничного басенного повествования. Это мощный поток смыслов, вырывающих сознание из привычного бытия и уносящих в мир грез, туда, где царит только добро, и где всем нам, порой, хочется оказаться.

Неудивительно, что у творчества Валерия Багаева много постоянных поклонников, в том числе среди известных деятелей российского шоу-бизнеса и в дипломатической среде. Его картины есть у Олега Митяева, Братьев Кристовских, Сергея Светлакова, Юрия Гальцева, Валерия Сюткина, а также послов Франции, Италии и Голландии. Всего более 400 работ художника находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. А самое ценное — практически каждый обладатель картины Валерия Багаева обязательно возвращается как минимум еще за одной.

Елена Аликина

Аликина Елена Владимировна родилась в г. Перми, закончила художественно — графический факультет Пермского педагогического училища № 4. Преподавала в Детской художественной школе № 1 г. Перми (живопись, рисунок, композиция) в течении 6 лет.

Вот уже 4 года Елена отдает предпочтение живописи, в ее работах, не только детство. Можно увидеть натюрморты, пейзажи. На полотне разыгрываются небольшие спектакли, где сам художник является сценаристом и режиссером. Картины Елены, словно волшебные декорации, в них нет ничего лишнего и случайного, каждый сантиметр таит в себе немало любопытных подробностей. Все персонажи в работах Елены живут в пространстве сказочного города, который легко помещается на холсте.

Марина Абдуллина

Профессиональный художник-керамист, член Союза художников России. Родилась в г. Горьком. Профессиональное образование получила в художественном училище г. Кунгур Пермской обл., затем в Московском педагогическом университете закончила отделение декоративно-прикладного искусства.

Являясь постоянным участником нижегородских, межрегиональных и всероссийских выставок, международных фестивалей и конкурсов керамики и гончарного искусства, заслужила интерес и любовь ценителей декоративно-прикладного творчества. В настоящее время преподаёт керамику в ГХИ ННГАСУ и в Нижегородском педагогическом университете им. К. Минина, активно участвует в выставках.

За годы творческой деятельности Абдуллина выработала свой индивидуальный художественный почерк. Произведения художницы, выполненные в различных техниках, всегда оригинальны и интересны с точки зрения и формы, и цветового решения. В создании крупных форм Марина Абдуллина часто изобретает что-то новое. Среди ее работ немалая роль отводится объемным композициям, построенным на знаково-орнаментальных элементах: керамические вазы, тарелки, панно, светильники, интерьерная и ландшафтная скульптура. Своими яркими красками, глазурью и глянцем она радует глаз и сердце, всегда сохраняя тепло и уют в вашем доме.

Открытие галереи

22 декабря галерея искусств «Луна» открыла свои двери. Первые посетители смогли познакомиться с необычным форматом пространства и экспозицией. Благодарим всех, кто нашел время и зашел поздороваться с нами. А тех, кто в этот вечер не смог добраться, приглашаем «на Луну» в любой другой день с 11 до 20.00 (в выходные с 12 -18.00)!

Мастерская «Ясная поляна»

Мастерская «Ясная поляна» работает с 2006 года. Основная деятельность — это изготовление керамических сувениров и работа со стеклом в технике «Тиффани».